Viața și arta lui Mark Rothko

Mark Rothko (1903-1970) a fost unul dintre cei mai cunoscuți membri ai Expresionist abstract mișcare, cunoscută în primul rând pentru a sa tablouri de culoare-câmp. Celebra sa pictură pe câmpuri de culori pe scară largă, constând numai din blocuri mari dreptunghiulare de culoare plutitoare, pulsante, încercați, conectați și transportați privitorul pe un alt tărâm, o altă dimensiune, eliberând spiritul de la limitele cotidiene stres. Aceste picturi deseori strălucire din interior și par aproape în viață, respirând, interacționând cu privitorul într-un dialog tăcut, creând un sentiment de sacrul în interacțiune, care amintește de relația I-Tu descrisă de renumitul teolog Martin Buber.

Despre relația activității sale cu privitorul, Rothko a spus: „O imagine trăiește prin tovărășie, extinzându-se și grăbindu-se în ochii observatorului sensibil. Moare prin același semn. Prin urmare, este riscant să o trimitem în lume. Cât de des trebuie să fie afectat de ochii nesimțirii și de cruzimea celor neputincioși. " El a mai spus: „Nu mă interesează relația dintre formă și culoare. Singurul lucru de care mă interesează este expresia emoțiilor de bază ale omului: tragedie, extaz, destin.

Rothko s-a născut Marcus Rothkowitz la 25 septembrie 1903 în Dvinsk, Rusia. A venit în Statele Unite în 1913 împreună cu familia sa, stabilindu-se în Portland, Oregon. Tatăl său a murit la scurt timp după ce Marcus a ajuns în Portland, iar familia a lucrat pentru o companie de îmbrăcăminte pentru veri pentru a-și pune capăt. Marcus a fost un student excelent și a fost expus artelor și muzicii în acești ani, învățând să deseneze și să picteze și să cânte la mandolină și pian. Pe măsură ce a îmbătrânit, a devenit interesat de cauzele social-liberale și de politica de stânga.

În septembrie 1921 a participat la Universitatea Yale, unde a stat doi ani. A studiat artele și științele liberale, a cofondat un cotidian liberal și s-a sprijinit cu slujbe ciudate înainte de a părăsi Yale în 1923, fără a absolvi să se angajeze în viața de artist. S-a stabilit în New York City în 1925 și s-a înscris la Liga Studenților la Arte, unde a fost predat de artist, Max Weber, și Școala de design Parsons unde a studiat sub Arshile Gorky. Se întorcea periodic în Portland pentru a-și vizita familia și s-a alăturat unei companii de actorie, acolo unde era o singură dată. Dragostea sa pentru teatru și dramă a continuat să joace un rol important în viața și în arta sa. El a pictat seturi de scenă și a spus despre tablourile sale: „Cred că imaginile mele sunt drama; formele din imaginile mele sunt interpreții ".

În perioada 1929-1952, Rothko a predat copiilor artă la Centre Academy, Brooklyn Jewish Center. Îi plăcea să-i învețe pe copii, simțind că răspunsurile lor pur nefiltrate la arta lor l-au ajutat să surprindă esența emoției și a formei în propria sa lucrare.

Primul său spectacol format dintr-o persoană a fost în 1933 la Contemporary Arts Gallery din New York. La vremea respectivă, tablourile sale erau formate din peisaje, portrete și nuduri.

În 1935, Rothko s-a unit cu alți opt artiști, inclusiv Adolph Gottlieb, pentru a forma un grup numit Cei Zece (deși erau doar nouă), care, influențate de Impresionism, format în semn de protest față de arta care era expusă de obicei la vremea respectivă. Cei Zece au devenit cei mai cunoscuți pentru expoziția lor, „The Ten: Whitney Dissenters”, care s-a deschis la Galeriile Mercury la trei zile de la deschiderea Whitney Annual. Scopul protestului lor a fost menționat în document introducere în catalog, care le-a descris ca „experimentatori” și „puternic individualist” și au explicat că scopul asocierii lor a fost acela de a atrage atenția asupra artei americane care nu era literală, nu reprezentativă și preocupată de culoarea locală și nu doar „contemporană în sensul strict cronologic. „Misiunea lor a fost„ de a protesta împotriva echivalentei reputate a picturii americane și literale pictura.“

În 1945, Rothko s-a căsătorit pentru a doua oară. Cu a doua sa soție, Mary Alice Beistle, a avut doi copii, Kathy Lynn în 1950, și Christopher în 1963.

După mulți ani de obscuritate ca artist, anii 1950 au adus în cele din urmă aclamarea lui Rothko, iar în 1959, Rothko a avut o expoziție majoră unică în New York, la Muzeul de Artă Modernă. De asemenea, a lucrat la trei comisii majore în perioada 1958-1999: picturi murale pentru Holyoke Center la Universitatea Harvard; picturi monumentale pentru restaurantul Four Seasons și Clădirea Seagrams, ambele din New York; și picturi pentru Capela Rothko.

Rothko s-a sinucis la 66 de ani în 1970. Unii cred că picturile întunecate și întunecate pe care le-a făcut târziu în carieră, precum cele pentru Capela Rothko, prevestesc sinuciderea lui, în timp ce alții consideră că lucrările sunt o deschidere a spiritului și o invitație către o spiritualitate mai mare conștientizare.

Rothko a fost comandat în 1964 de John și Dominique de Menial pentru crearea unui spațiu meditativ umplut cu picturile sale create special pentru spațiu. Capela Rothko, proiectată în colaborare cu arhitecții Philip Johnson, Howard Barnstone și Eugene Aubry, a fost finalizat în cele din urmă în 1971, deși Rothko a murit în 1970, așa că nu a văzut finala constructii. Este o clădire neregulată din cărămidă octogonală care deține paisprezece picturi murale ale lui Rothko. Picturile sunt dreptunghiurile plutitoare semnate de Rothko, deși sunt întunecate în nuanțe - șapte pânze cu dreptunghiuri negre cu tărie pe teren maroniu și șapte picturi tonale violet.

Este o capelă inter-credință pe care oamenii o vizitează din întreaga lume. Conform Website-ul Capela Rothko, "Capela Rothko este un spațiu spiritual, un forum pentru liderii mondiali, un loc pentru singurătate și adunare. Este un epicentru pentru activiștii pentru drepturile civile, o perturbare liniștită, o liniște care se mișcă. Este o destinație pentru cei 90.000 de oameni de toate credințele care vizitează în fiecare an din toate părțile lumii. Este casa premiului Óscar Romero. "Capela Rothko se află în Registrul Național al Locurilor Istorice.

Au existat o serie de influențe asupra artei și gândirii lui Rothko. Ca student la mijlocul anilor 1920 până la sfârșitul anilor 1920, Rothko a fost influențat de Max Weber, Arshile Gorky și Milton Avery, de la care a învățat modalități foarte diferite de abordare a picturii. Weber l-a învățat despre cubism și pictura nereprezentativă; Gorky l-a învățat despre suprarealism, imaginație și imagini mitice; iar Milton Avery, cu care a fost bun prieten de mai mulți ani, l-a învățat despre utilizarea straturilor subțiri de culoare plată pentru a crea profunzime prin relațiile de culoare.

La fel ca mulți artiști, Rothko a admirat foarte mult picturile renascentiste și bogăția lor de nuanță și strălucire interioară aparentă obținută prin aplicarea mai multor straturi de glazuri subțiri de culoare.

Ca om de învățare, alte influențe au inclus Goya, Turner, impresionanții, Matisse, Caspar Friedrich și alții.

Rothko a studiat și el Friedrich Nietzsche, filosoful german din secolul al XIX-lea și a citit cartea sa, Nașterea tragediei. El a încorporat în picturile sale filozofia lui Nietzsche a luptei dintre Dionisie și Apollonian.

Rothko a fost influențat și de Michelangelo, Rembrandt, Goya, Turner, impresioniștii, Caspar Friedrich și Matisse, Manet, Cezanne, pentru a numi doar câțiva.

Anii ’40 a fost un deceniu important pentru Rothko, unul în care a trecut prin multe transformări în stil, apărând din el cu tablourile clasice colorfield care sunt asociate în primul rând cu el. Potrivit fiului său, Christopher Rothko în MARK ROTHKO, The Decisive Decade 1940-1950, Rothko a avut cinci sau șase stiluri diferite în acest deceniu, fiecare fiind o depășire a precedentului. Ele sunt: ​​1) figurativ (c.1923-40); 2. Suprarealist - bazat pe mit (1940-43); 3. Suprarealist - rezumat (1943-46); 4. Multiform (1946-48); 5. Tranzițional (1948-49); 6. Clasic / Colorfield (1949-70). "

Cândva în 1940, Rothko face ultima pictură figurativă, apoi experimentează cu suprarealismul și, în cele din urmă, se elimină complet cu orice sugestie figurată în tablourile sale, abstractizându-le în continuare și împărțindu-le în forme indeterminate care plutesc în câmpuri de culoare - Multiforms așa cum au fost numiți de alții - care au fost influențate foarte mult de stilul de pictură al lui Milton Avery. Multiformele sunt primele adevărate abstractizări ale lui Rothko, în timp ce paleta lor prevestește paleta picturilor din câmpul de culori care urmează. El își clarifică intenția în continuare, eliminând formele și își începe picturile de câmp color în 1949, folosind culoarea chiar mai expresiv pentru a crea dreptunghiuri florale monumentale și pentru a comunica gama emoțiilor umane din interior lor.

Rothko este cel mai cunoscut pentru picturile sale de culoare, pe care a început să le picteze la sfârșitul anilor 40. Aceste tablouri erau picturi mult mai mari, aproape că umpleau un întreg perete de la podea până la tavan. În aceste tablouri a folosit tehnica de pătrundere la înmuiere, dezvoltat inițial de Helen Frankenthaler. El ar aplica straturi de vopsea subțiată pe pânză pentru a crea două sau trei dreptunghiuri abstracte cu margini moi.

Rothko a spus că picturile sale erau mari pentru a face spectatorul să facă parte din experiență, mai degrabă decât să se separe de tablou. De fapt, el a preferat ca tablourile sale să fie expuse împreună într-o expoziție pentru a crea un impact mai mare de a fi conținute sau învăluite de tablouri, mai degrabă decât defalcate de alte opere de artă. El a spus că tablourile nu au fost „grandioase”, ci, de fapt, mai „intime și umane”. In conformitate cu Galeria Phillips în Washington, D.C., „Pânzele sale mari, tipice stilului său matur, stabilesc o corespondență unu cu unu cu privitorul, dând scara umană experienței picturii și intensificând efectele culorii. Ca urmare, picturile produc în privitorul sensibil un sens al eterului și o stare de contemplare spirituală. Doar prin culoare - aplicată dreptunghiurilor suspendate în compoziții abstracte - opera lui Rothko evocă emoții puternice variind de la exuberanță și tremurat până la disperare și anxietate, sugerate de natura sălbatică și nedeterminată a lui forme.“

În 1960, Galeria Phillips a construit o cameră specială dedicată afișării picturii lui Mark Rothko, numită Camera Rothko. Conține patru tablouri ale artistului, câte un tablou pe fiecare perete al unei camere mici, conferind spațiului o calitate meditativă.

Rothko a încetat să dea operelor sale titluri convenționale la sfârșitul anilor 40, preferând în schimb să le diferențieze după culoare sau număr. Atât cât a scris despre artă în timpul vieții sale, ca și în cartea sa, The Artist's Reality: Philosophies on Art, scris despre 1940-41, a început să nu mai explice sensul lucrării sale cu picturile sale de câmp color, afirmând că „Tăcerea este așa exacte.“

Este importantă esența relației dintre privitor și tablou, nu cuvintele care îl descriu. Picturile lui Mark Rothko trebuie să fie experimentate în persoană pentru a fi cu adevărat apreciate.

Kennicot Philip, Două camere, 14 Rothkos și o lume diferită, Washington Post, 20 ianuarie 2017

Mark Rothko, National Gallery of Art, prezentare de diapozitive

Mark Rothko (1903-1970), Biografie, Colecția Phillips

Mark Rothko, MOMA

Mark Rothko: Realitatea artistului, http://www.radford.edu/rbarris/art428/mark%20rothko.html

Meditație și artă modernă se întâlnesc în capela Rothko, NPR.org, 1 martie 2011

O'Neil, Lorena, ,Spiritualitatea lui Mark Rothko Doza zilnică, dec. 23 2013 http://www.ozy.com/flashback/the-spirituality-of-mark-rothko/4463

Capela Rothko

Moștenirea lui Rothko, PBS NewsHour, aug. 5, 1998