O parte a bucuriei picturii din secolul XXI este gama largă de forme de exprimare disponibile. La sfârșitul secolului XIX și XX, artiștii au făcut salturi uriașe în stilurile de pictură. Multe dintre aceste inovații au fost influențate de progresele tehnologice, precum invenția tubului de vopsea metalică și evoluția fotografie, precum și schimbări în convențiile sociale, politică și filozofie, împreună cu evenimentele mondiale.
Această listă prezintă șapte stiluri de artă majore (denumite uneori „școli” sau „mișcări”), unele mult mai realiste decât altele. Deși nu veți face parte din mișcarea inițială - grupul de artiști care, în general, au împărtășit același lucru pictura stil și idei într-un anumit moment din istorie - puteți încă picta în stilurile pe care le-au folosit. Învățând despre aceste stiluri și văzând ce au creat artiștii care lucrează în ele și apoi experimentând cu voi diferite abordări, puteți începe să vă dezvoltați și să vă alimentați propriul stil.
Realismul, în care subiectul tabloului seamănă mai mult cu adevăratul lucru, decât ca să fie stilizat sau abstractizat, este stilul pe care mulți îl gândesc de ca „adevărată artă”. Doar atunci când sunt examinați de aproape, ceea ce par a fi culori solide se dezvăluie ca o serie de perii de mai multe culori și valori.
Realismul a fost stilul dominant al picturii încă din sec Renaştere. Artistul folosește perspectiva pentru a crea o iluzie de spațiu și profunzime, setând compoziția și iluminarea astfel încât subiectul să pară real. A lui Leonardo da Vinci "Mona Lisa„este un exemplu clasic al stilului.
Stilul Painterly a apărut ca Revolutia industriala a măturat Europa în prima jumătate a secolului al XIX-lea. Eliberați de invenția tubului de vopsea metalică, care le-a permis artiștilor să iasă în afara studioului, pictorii au început să se concentreze pe pictura în sine. Subiectele au fost redate în mod realist, cu toate acestea, pictorii nu au făcut niciun efort să-și ascundă activitatea tehnică.
După cum sugerează și numele său, accentul se pune pe actul pictării: caracterul periajului și al pigmenților înșiși. Artiștii care lucrează în acest stil nu încearcă să ascundă ceea ce a fost folosit pentru a crea tabloul netezind textura sau marcajele lăsate în vopsea de o perie sau alt instrument, cum ar fi un cuțit de paletă. Tablourile din Henri Matisse sunt exemple excelente ale acestui stil.
Impresionismul a apărut în anii 1880 în Europa, unde artiști precum Claude Monet au căutat să surprindă lumina, nu prin detaliile realismului, ci cu gestul și iluzia. Nu trebuie să vă apropiați prea mult de nuferii Monet sau de floarea-soarelor lui Vincent Van Gogh pentru a observa loviturile îndrăznețe ale culorilor, cu toate acestea, nu există niciun dubiu la ce priviți.
Obiectele își păstrează aspectul realist, dar au o vibranță despre ele, unică acestui stil. Este greu de crezut că atunci când impresioniștii își arătau pentru prima dată lucrările, cei mai mulți critici o urau și o ridiculizau. Ceea ce era privit atunci ca un stil de pictură neterminat și dur este acum iubit și venerat.
Expresionism și fovismul sunt stiluri similare care au început să apară în studiouri și galerii la începutul secolului XX. Ambele se caracterizează prin utilizarea de culori îndrăznețe, nerealiste, alese să nu înfățișeze viața așa cum este ea, ci mai degrabă, așa cum se simte sau apare pentru artist.
Cele două stiluri diferă în unele moduri. Expresioniștii, inclusiv Edvard Munch, au căutat să transmită grotescul și groaza în viața de zi cu zi, adesea cu o perie hiper-stilizată și imagini groaznice, cum ar fi obișnuit cu mare efect în al său pictură "Țipătul."
Fauviștii, în ciuda utilizării inedite a culorii, au căutat să creeze compoziții care înfățișează viața într-o natură idealizată sau exotică. Gândiți-vă la dansatoarele înfrumusețate ale lui Henri Matisse sau la scenele pastorale ale lui George Braque.
Pe măsură ce primele decenii ale secolului XX s-au desfășurat în Europa și America, pictura a devenit mai puțin realistă. Abstracția se referă la pictarea esenței unui subiect așa cum artistul îl interpretează, mai degrabă decât la detaliile vizibile. Un pictor poate reduce subiectul la culorile, formele sau modelele sale dominante, după cum este Pablo Picasso a făcut cu celebrul său mural de trei muzicieni. Interpreții, toate liniile și unghiurile ascuțite, nu arată cel mai puțin real, dar nu există niciun dubiu cine sunt.
Sau un artist ar putea să scoată subiectul din contextul său sau să-și extindă scala, așa cum a făcut Georgia O'Keeffe în opera sa. Florile și scoicile ei, dezbrăcate de detaliile lor fine și plutind pe fundaluri abstracte, pot semăna cu peisaje de vis.
Opera pur abstractă, ca o mare parte a mișcării expresioniste abstracte din anii '50, evită activ realismul, dezvăluindu-se în îmbrățișarea subiectivului. Obiectul sau punctul picturii sunt culorile folosite, texturi în lucrarea de artă și materialele folosite pentru realizarea acesteia.
Picturile picurate de Jackson Pollock ar putea arăta ca o mizerie gigantică pentru unii, dar nu este de negat că picturile murale cum ar fi „Numărul 1 (Lavender Mist)” au o calitate cinetică dinamică, care îți deține interes. Alți artiști abstracti, cum ar fi Mark Rothko, și-au simplificat subiectul culorilor. Lucrări de câmp color, precum lucrarea sa de 1961 „Orange, Red and Yellow” sunt doar atât: trei blocuri de pigment în care te poți pierde.
Fotorealismul s-a dezvoltat la sfârșitul anilor ’60 -’70, ca reacție la expresionismul abstract, care a dominat arta încă din anii ’40. Acest stil pare adesea mai real decât realitatea, unde niciun detaliu nu este lăsat în afara și niciun defect nu este nesemnificativ.
Unii artiști copiază fotografii proiectându-le pe o pânză pentru a capta cu exactitate detalii precise. Alții o fac manual sau folosesc un sistem grilă pentru a mări o imprimare sau o fotografie. Unul dintre cei mai cunoscuți pictori fotorealiști este Chuck Close, ale cărui capete de dimensiuni murale ale colegilor artiști și celebrități se bazează pe instantanee.