Origini și școli de artă abstractă

Arta abstractă (numită uneori arta neobiectivă) este o pictură sau o sculptură care nu înfățișează o persoană, un loc sau un lucru din lumea naturală. Cu arta abstractă, subiectul lucrării este ceea ce vedeți: culoare, forme, pensule, dimensiune, scară și, în unele cazuri, procesul în sine, ca în pictură de acțiune.

Artiștii abstracti se străduiesc să fie neobiectivi și nereprezentanți, permițând spectatorului să interpreteze sensul fiecărei opere în felul său. Astfel, arta abstractă nu este o vedere exagerată sau distorsionată a lumii, așa cum vedem în tablourile cubiste ale lui Paul Cézanne (1839–1906) și Pablo Picasso (1881–1973), deoarece prezintă un tip de realism conceptual. În schimb, forma și culoarea devin accentul și subiectul piesei.

În timp ce unii oameni pot susține că arta abstractă nu necesită abilitățile tehnice ale artei reprezentative, alții cer să difere. A devenit, într-adevăr, una dintre marile dezbateri în arta modernă. Ca artist abstract rus Vasily Kandinsky (1866–1944) a spus:

„Dintre toate artele, pictura abstractă este cea mai dificilă. Este necesar să știi să desenezi bine, să ai o sensibilitate crescută pentru compoziție și pentru culori și să fii un adevărat poet. Aceasta din urmă este esențială ".

Istoricii artei identifică de obicei începutul secolului XX ca fiind important moment istoric din istoria artei abstracte. În această perioadă, artiștii au lucrat pentru a crea ceea ce au definit drept „artă pură”: lucrări creative care nu au fost întemeiate în percepții vizuale, ci în imaginația artistului. Printre lucrările influente din această perioadă se numără „Picture with a Circle” din 1911 a lui Kandinsky și „Caoutchouc”, create de artistul de avangardă francez Francis Picabia (1879–1953) în 1909.

Rădăcinile artei abstracte pot fi însă identificate mult mai departe. Artiști asociați cu mișcări precum secolul al XIX-lea Impresionism și expresionismul experimentau ideea că pictura poate capta emoția și subiectivitatea. Nu trebuie să se concentreze pur și simplu pe percepții vizuale aparent obiective. Revenind și mai departe, multe picturi rupestre antice, modele textile și modele de ceramică au capturat o realitate simbolică în loc să încerce să prezinte obiecte așa cum le vedem.

Kandinsky este adesea considerat unul dintre cei mai influenți artiști abstracti. O perspectivă a modului în care stilul său a evoluat de la reprezentativ la artă abstractă pură de-a lungul anilor este o privire fascinantă asupra mișcării în general. Însuși Kandinsky a fost adept să explice modul în care un artist abstract poate folosi culoarea pentru a da un scop lucrării aparent lipsit de sens.

Kandinsky credea că culorile provoacă emoții. Roșu era viu și încrezător; verde era pașnic, cu forță interioară; albastrul era profund și supranatural; galbenul ar putea fi cald, interesant, deranjant sau total înfocat; iar albul părea tăcut, dar plin de posibilități. De asemenea, el a atribuit tonuri de instrument pentru a merge cu fiecare culoare. Roșu sună ca o trompetă; verde suna ca o vioară de poziție mijlocie; albastru deschis suna ca un flaut; albastru închis sună ca un violoncel, galbenul sună ca o fanfară de trâmbițe; alb suna ca pauză într-o melodie armonioasă.

Aceste analogii cu sunetele proveneau din aprecierea lui Kandinsky pentru muzică, în special a operelor compozitorului vienez contemporan Arnold Schoenberg (1874–1951). Titlurile lui Kandinsky se referă adesea la culorile din compoziție sau la muzică, de exemplu, „Improvizație 28” și „Compoziția II”.

Artistul francez Robert Delaunay (1885–1941) a aparținut lui Blue Rider de Kandinsky (Die Blaue Reiter) grup. Cu soția sa, Sonia Delaunay-Turk, originară din Rusia (1885–1979), amândoi au gravitat spre abstracție în propria lor mișcare, Orfismul sau cubismul orfic.

Astăzi, „arta abstractă” este adesea un termen umbrelă care cuprinde o gamă largă de stiluri și mișcări de artă. Printre acestea sunt incluse art nereprezentativ, artă nonobiectivă, expresionism abstract, art informel (o formă de artă gestuală) și chiar unele artă op (artă optică, care se referă la arta care folosește iluziile optice). Arta abstractă poate fi gestuală, geometrică, fluidă sau figurativă - implicând lucruri care nu sunt vizuale precum emoția, sunetul sau spiritualitatea.

Deși avem tendința de a asocia arta abstractă cu pictura și sculptura, ea se poate aplica la orice mediu vizual, inclusiv asamblare și fotografie. Cu toate acestea, pictorii sunt cei care atrag cea mai mare atenție în această mișcare. Există mulți artiști notabili care reprezintă diferitele abordări pe care le poate lua arta abstractă și au avut o influență considerabilă asupra artei moderne.

• Carlo Carrà (1881–1966) a fost un pictor italian cel mai cunoscut pentru lucrările sale în Futurism, o formă de artă abstractă care a accentuat energia și tehnologia cu schimbare rapidă a începutului secolului XX. De-a lungul carierei sale, el a lucrat în cubism de asemenea, și multe dintre picturile sale erau abstracte ale realității. Cu toate acestea, manifestul său, „Pictura sunetelor, zgomotelor și mirosurilor” (1913) a influențat mulți artiști abstracti. Ea explică fascinația sa pentru sinestezie, o crossover senzorială în care, de exemplu, „miros” o culoare, care se află în centrul multor opere de artă abstracte.
• Umberto Boccioni (1882–1916) a fost un alt futurist italian care s-a concentrat pe forme geometrice și a fost puternic influențat de cubism. Opera sa înfățișează adesea mișcarea fizică așa cum se vede în „Statele minții” (1911). Această serie de trei tablouri surprinde mișcarea și emoția unei stații de tren, mai degrabă decât reprezentarea fizică a pasagerilor și trenurilor.
• Kazimir Malevich (1878–1935) a fost un pictor rus pe care mulți îl descriu ca un pionier al artei abstracte geometrice. Una dintre lucrările sale cele mai cunoscute este „Piața Neagră” (1915). Este simplist, dar absolut fascinant pentru istoricii de artă, deoarece, ca o analiză din Tate, menționează: „Este pentru prima dată când cineva a realizat un tablou care nu a fost ceva”.
• Jackson Pollock (1912–1956), un pictor american, este adesea dat ca reprezentare ideală a Expresionismul abstract, sau pictura de acțiune. Opera sa este mai mult decât picături și stropi de vopsea pe pânză, dar pe deplin gestuale și ritmice și de multe ori au folosit tehnici foarte netradiționale. De exemplu, „Full Fathom Five” (1947) este un ulei pe pânză creat, în parte, cu ghiocei, monede, țigări și multe altele. O parte din munca sa, cum ar fi „Acolo erau șapte în opt” (1945) sunt uriașe, se întind pe o lungime de opt metri.
• Mark Rothko (1903–1970) a dus abstractele geometrice ale lui Malevich la un nou nivel de modernism cu pictura în câmp de culori. Acest pictor american s-a ridicat în anii ’40 și a simplificat culoarea într-un subiect singur, redefinind arta abstractă pentru următoarea generație. Picturile sale, cum ar fi „Patru Daruri în Roșu” (1958) și „Portocaliu, roșu și galben” (1961), sunt la fel de notabile pentru stilul lor, precum și pentru dimensiunile mari.