54 de picturi celebre realizate de artiști celebri

A fi un artist celebru în viața ta nu este o garanție că alți artiști își vor aminti de tine. Ai auzit de pictorul francez Ernest Meissonier?

A fost contemporan cu Edouard Manet și, de departe, cel mai de succes artist în ceea ce privește aprecierea critică și vânzările. Reversul este valabil și pentru Vincent van Gogh. Van Gogh s-a bazat pe fratele său, Theo, pentru a-i oferi vopsea și pânză, totuși astăzi tablourile sale obțin prețuri record ori de câte ori vin la o licitație de artă și este un nume cunoscut.

Privirea la picturi celebre din trecut și prezent vă poate învăța multe lucruri, inclusiv compoziția și manipularea vopselei. Deși probabil cea mai importantă lecție este că în cele din urmă ar trebui să pictezi pentru tine, nu pentru o piață sau posteritate.

„Night Watch” - Rembrandt

Pictura „Night Watch” de Rembrandt este in Rijksmuseum în Amsterdam. După cum arată fotografia, este o pictură imensă: 363x437cm (143x172 ").

Rembrandt a terminat-o în 1642. Adevăratul său titlu este „Compania lui Frans Banning Cocq și Willem van Ruytenburch”, dar este mai bine cunoscut ca Night Watch. (O companie fiind gardian de miliție).

Compoziția picturii a fost foarte diferită pentru perioadă. În loc să arate figurile într-un mod ordonat, ordonat, unde tuturor li s-a acordat aceeași proeminență și spațiu pe pânză, Rembrandt le-a pictat ca un grup ocupat în acțiune.

În jurul anului 1715 a fost pictat un scut pe „Ceasul de noapte” care conținea numele a 18 persoane, dar doar unele dintre nume fuseseră identificate vreodată. (Deci, amintiți-vă dacă pictați un portret de grup: desenați o diagramă pe spate pentru a merge cu numele tuturor atât de viitoare generațiile vor ști!) În martie 2009, istoricul olandez Bas Dudok van Heel a dezvăluit în cele din urmă misterul cine este cine în pictura. Cercetările sale au găsit chiar și articole de îmbrăcăminte și accesorii descrise în „Ceasul de noapte” menționat în inventarele moșii familiale, pe care apoi le-a adunat odată cu vârsta diferiților milițieni în 1642, anul în care a fost pictura efectuat.

Dudok van Heel a descoperit, de asemenea, că în sala unde a fost atârnat pentru prima oară „Night Watch” -ul lui Rembrandt, erau șase grupuri portrete ale unei miliții afișate inițial într-o serie continuă, nu șase picturi separate așa cum a fost mult timp gând. Mai degrabă cele șase portrete de grup ale lui Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart și Flinck au format o friză neîntreruptă, potrivită una cu cealaltă și fixată în lambriurile din lemn ale camerei. Sau, asta a fost intenția. „Ceasul de noapte” al lui Rembrandt nu se potrivește cu celelalte picturi, nici în compoziție, nici în culori. Se pare că Rembrandt nu a respectat termenii misiunii sale. Dar, dacă ar fi avut-o, nu am fi avut niciodată acest portret de grup izbitor de diferit din secolul al XVII-lea.

„Iepure” - Albrecht Dürer

Denumit în mod obișnuit iepurele lui Dürer, titlul oficial al acestui tablou îl numește iepure. Pictura se află în colecția permanentă a Colecția Batliner din Muzeul Albertina în Viena, Austria.

A fost pictat folosind acuarelă și guașă, cu evidențierile albe făcute în guașă (mai degrabă decât albul nevopsit al hârtiei).

Este un exemplu spectaculos al modului în care blana poate fi pictată. Pentru a-l imita, abordarea pe care o veți lua depinde de câtă răbdare aveți. Dacă aveți oodles, veți vopsi folosind o perie subțire, câte un păr pe rând. În caz contrar, utilizați o tehnică de perie uscată sau împărțiți firele de păr pe o perie. Răbdarea și rezistența sunt esențiale. Lucrați prea repede pe vopseaua umedă, iar cursele individuale riscă să se amestece. Nu continua suficient de mult, iar blana va părea firească.

Capela Sixtină Fresco de tavan - Michelangelo

Pictura lui Michelangelo a tavanului Capelei Sixtine este una dintre cele mai cunoscute fresce din lume.

Capela Sixtină este o capelă mare din Palatul Apostolic, reședința oficială a Papei (conducătorul Bisericii Catolice) din Vatican. Are multe fresce pictate în ea, de către unele dintre cele mai mari nume ale Renașterii, inclusiv fresce de perete de Bernini și Rafael, totuși este cel mai faimos pentru frescele de pe tavan de Michelangelo.

Michelangelo s-a născut la 6 martie 1475 și a murit la 18 februarie 1564. Comandat de papa Iulius al II-lea, Michelangelo a lucrat latavanul Capelei Sixtine din mai 1508 până în octombrie 1512 (nu s-au făcut lucrări între septembrie 1510 și august 1511). Capela a fost inaugurată la 1 noiembrie 1512, de sărbătoarea tuturor sfinților.

Capela are 40,23 metri lungime, 13,40 metri lățime, iar tavanul la 20,70 metri deasupra solului în punctul său cel mai înalt¹. Michelangelo a pictat o serie de scene biblice, profeți și strămoșii lui Hristos, precum și trompe l'oeil sau trăsături arhitecturale. Zona principală a tavanului descrie povești din poveștile din cartea Geneza, inclusiv despre creația omenirii, căderea omului din har, potop și Noe.

Plafonul Capelei Sixtine: un detaliu

Panoul care arată creația omului este probabil cea mai cunoscută scenă din celebra frescă de Michelangelo de pe tavan, Capela Sixtină.

Capela Sixtină din Vatican are multe fresce pictate în ea, totuși este cea mai faimoasă pentru frescele de pe tavan de Michelangelo. O restaurare extinsă a fost făcută între 1980 și 1994 de către experți în artă vaticană, îndepărtând fumul de secole din lumânări și lucrările anterioare de restaurare. Acest lucru a dezvăluit culori mult mai strălucitoare decât se credea anterior.

Pigmenții folosiți de Michelangelo au inclus ocru pentru roșu și galben, silicat de fier pentru verde, lapis lazuli pentru albastru și cărbune pentru negru.¹ Nu totul este pictat cu atâta detaliu pe cât apare prima dată. De exemplu, figurile din prim-plan sunt pictate mai detaliat decât cele din fundal, adăugând sensul adâncimii din tavan.

Mai multe despre Capela Sixtină:

• Muzeele Vaticanului: Capela Sixtină
• Tur virtual al Capelei Sixtine

Surse:
1 Muzeele Vaticanului: Capela Sixtină, site-ul web al statului orașului Vatican, accesat la 9 septembrie 2010.

Caietul Leonardo da Vinci

Artistul renascentist Leonardo da Vinci este renumit nu numai pentru picturile sale, ci și pentru caietele sale. Această fotografie arată una în Muzeul V&A din Londra.

Muzeul V&A din Londra are cinci dintre caietele lui Leonardo da Vinci în colecția sa. Acesta, cunoscut sub numele de Codex Forster III, a fost folosit de Leonardo da Vinci între 1490 și 1493 când lucra la Milano pentru ducele Ludovico Sforza.

Este un notebook mic, de dimensiunea pe care ați putea să o păstrați cu ușurință într-un buzunar al hainei. Este plin de tot felul de idei, note și schițe, inclusiv „schițe ale picioarelor unui cal, desene ale pălării și haine care ar fi putut fi idei pentru costume la baluri și o relatare a anatomiei omului cap."¹ Deși nu puteți întoarce paginile caietului din muzeu, îl puteți răsfoi online.

Citirea scrisului său de mână nu este ușoară, între stilul caligrafic și folosirea scrierii în oglindă (înapoi, de la dreapta la stânga), dar unora li se pare fascinant să vadă cum pune tot felul într-unul caiet. Este un caiet de lucru, nu o piesă de spectacol. Dacă te-ai îngrijorat vreodată că jurnal de creativitate nu a fost cumva corect realizat sau organizat, ia-ți conducerea de la acest maestru: fă-o după cum ai nevoie.

<sub>Sursă:
1. Explorează Forster Codices, Muzeul V&A. (Accesat la 8 august 2010.)</sub>

„Mona Lisa” - Leonardo da Vinci

Leonardo da VinciPictura „Mona Lisa”, din Luvrul din Paris, este, fără îndoială, cea mai faimoasă pictură din lume. Este probabil și cel mai cunoscut exemplu de sfumato, o tehnică de pictură responsabilă parțial de zâmbetul ei enigmatic.

Au fost multe speculații despre cine a fost femeia din tablou. Se crede că este un portret al Lisa Gherardini, soția unui comerciant florentin de pânze numit Francesco del Giocondo. (Scriitorul de artă Vasari din secolul al XVI-lea a fost printre primii care au sugerat acest lucru, în „Viețile artiștilor”). De asemenea, s-a sugerat că motivul zâmbetului ei a fost că era însărcinată.

Istoricii de artă știu Leonardo începuse „Mona Lisa” până în 1503, deoarece o înregistrare a acestuia a fost făcută în acel an de către un înalt oficial florentin, Agostino Vespucci. Când a terminat, este mai puțin sigur. Luvrul datează inițial pictura din 1503-06, dar descoperirile făcute în 2012 sugerează că ar fi putut fi la fel de mult ca un zece ani mai târziu, înainte de a fi terminat pe baza fundalului bazat pe un desen de roci în care se știe că a făcut 1510-15.¹ Luvru a schimbat datele în 1503-19 în martie 2012.

Sursă:
1. Mona Lisa ar fi putut fi finalizată cu un deceniu mai târziu decât se credea în The Art Newspaper, de Martin Bailey, 7 martie 2012 (accesat la 10 martie 2012)

Pictori celebri: Monet la Giverny

Fotografii de referință pentru pictură: „Grădina de la Giverny” a lui Monet.

O parte din motivul pentru care pictorul impresionist Claude Monet este atât de faimos este picturile sale cu reflecțiile din iazurile de crini pe care le-a creat în marea sa grădină de la Giverny. A inspirat mulți ani, chiar până la sfârșitul vieții sale. El a schițat idei pentru picturi inspirate de iazuri și a creat tablouri mici și mari, atât ca lucrări individuale, cât și ca serii.

Semnătura lui Claude Monet

Acest exemplu al modului în care Monet și-a semnat picturile provine dintr-una din picturile sale de nuferi. Puteți vedea că a semnat-o cu un nume și prenume (Claude Monet) și anul (1904). Se află în colțul din dreapta jos, suficient de departe, astfel încât să nu fie tăiat de cadru.

Numele complet al lui Monet era Claude Oscar Monet.

„Impression Sunrise” - Monet

Acest tablou de Monet a dat numele stil impresionist de arta. A expus-o în 1874 la Paris în ceea ce a devenit cunoscut sub numele de Prima Expoziție Impresionistă.

În recenzia sa despre expoziția pe care a intitulat-o „Expoziția impresionistilor”, criticul de artă Louis Leroy a spus:

"Tapetul în starea sa embrionară este mai finisat decât acel peisaj marin."

<sub>Sursă:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" de Louis Leroy, Le Charivari, 25 aprilie 1874, Paris. Traducere de John Rewald în Istoria impresionismului, Moma, 1946, p256-61; citat în Salon la Bienală: Expoziții care au făcut istorie a artei de Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43.</sub>

Seria „Haystacks” - Monet

Monet a pictat adesea o serie de același subiect pentru a surprinde efectele în schimbare ale luminii, schimbând pânze pe măsură ce ziua trecea.

Monet a pictat multe subiecte din nou și din nou, dar fiecare dintre picturile sale din serie este diferită, fie că este vorba de o pictură a unui nufer sau a unui fân. Deoarece picturile lui Monet sunt împrăștiate în colecții din întreaga lume, de obicei, numai în expoziții speciale, picturile sale de serie sunt văzute ca un grup. Din fericire, Art Institute din Chicago are câteva colecții de tablouri cu fânuri Monet în colecția sa, deoarece sunt impresionante vizionarea împreună:

• Teanc de grâu
• Dezgheț, Apus
• Apus de soare, Efect de zăpadă
• Efect de zăpadă, ziua acoperită
• Sfarsitul verii

În octombrie 1890, Monet a scris o scrisoare criticului de artă Gustave Geffroy despre seria de fânuri pe care o pictează, spunând:

„Sunt greu la asta, lucrez cu încăpățânare la o serie de efecte diferite, dar în această perioadă a anului soarele apune atât de repede încât este imposibil să ții pasul cu el... cu cât merg mai departe, cu atât mai mult văd că trebuie făcută multă muncă pentru a reda ceea ce caut: „instantaneitate”, „plic” mai presus de toate, aceeași lumină răspândită peste tot... Sunt din ce în ce mai obsedat de nevoia de a reda ceea ce trăiesc și mă rog să îmi mai rămână câțiva ani buni, pentru că cred că pot face unele progrese în acea direcție... " ¹

<sup>Sursă: ​
1. Monetează singur, p172, editat de Richard Kendall, MacDonald & Co, Londra, 1989.</sup>

„Nuferi” - Claude Monet

Claude Monet, "Nuferi", c. 19140-17, ulei pe pânză. Dimensiune 65 3/8 x 56 țoli (166,1 x 142,2 cm). În colecția Muzeele de Arte Frumoase din San Francisco.

Monet este probabil cel mai faimos dintre impresioniști, mai ales pentru picturile sale cu reflecțiile din iazul de crini din grădina sa Giverny. Această pictură specială prezintă o mică bucată de nor în colțul din dreapta sus și blues-urile cerului reflectate în apă.

Dacă studiați fotografii ale grădinii lui Monet, cum ar fi acesta din iazul de crin al lui Monet și acesta cu flori de crin, și le comparați cu acest tablou, veți obțineți o senzație pentru modul în care Monet a redus detaliile în arta sa, incluzând doar esența scenei sau impresia reflexiei, a apei și a crinului floare. Faceți clic pe linkul „Vizualizați dimensiunea completă” de sub fotografia de mai sus pentru o versiune mai mare, în care este mai ușor să vă simțiți periajul lui Monet.

Poetul francez Paul Claudel a spus:

„Datorită apei, [Monet] a devenit pictorul a ceea ce nu putem vedea. El se adresează acelei suprafețe spirituale invizibile care separă lumina de reflexie. Azuriu aerisit captiv de azur lichid... Culoarea crește de pe fundul apei în nori, în vârtejuri. "

^Sursă:
Pagina 262 Arta secolului nostru, de Jean-Louis Ferrier și Yann Le Pichon

Semnătura lui Camille Pissarro

Pictorul Camille Pissarro tinde să fie mai puțin cunoscut decât mulți dintre contemporanii săi (cum ar fi Monet), dar are un loc unic în cronologia artei. A lucrat atât ca impresionist, cât și ca neoimpresionist, precum și a influențat artiști acum celebri precum Cézanne, Van Gogh și Gauguin. El a fost singurul artist care a expus la toate cele opt Expoziții impresioniste la Paris din 1874 până în 1886.

Autoportret Van Gogh (1886/1887)

Acest portret de Vincent van Gogh se află în colecția Institutului de Artă din Chicago. A fost pictat folosind un stil similar cu Pointillismul, dar nu se lipeste strict doar de puncte.

În cei doi ani în care a trăit la Paris, din 1886 până în 1888, Van Gogh a pictat 24 de autoportrete. Institutul de Artă din Chicago a descris-o ca folosind „tehnica punctelor” a lui Seurat nu ca metodă științifică, ci „intensă” limbaj emoțional "în care" punctele roșii și verzi sunt deranjante și total conforme cu tensiunea nervoasă evidentă în van Gogh privirea ".

Într-o scrisoare câțiva ani mai târziu către sora sa, Wilhelmina, Van Gogh a scris:

„Am pictat două poze cu mine în ultima vreme, dintre care una are mai degrabă adevăratul caracter, cred, deși în Olanda probabil s-ar bate joc de ideile despre pictura de portrete care germinează Aici... Mereu cred fotografiile abominabile și nu-mi place să le am în preajmă, mai ales nu pe cele ale unor persoane pe care le cunosc și pe care le iubesc... portretele fotografice se ofilesc mult mai repede decât noi înșine, în timp ce portretul pictat este un lucru care se simte, realizat cu dragoste sau respect pentru ființa umană care este portretizată. "

Sursă:
Scrisoare către Wilhelmina van Gogh, 19 septembrie 1889

Semnătura lui Vincent van Gogh

Cafeneaua de noapte de Van Gogh se află acum în colecția Galeriei de Artă a Universității Yale. Se știe că Van Gogh a semnat doar acele tablouri cu care a fost deosebit de mulțumit, dar ceea ce este neobișnuit în cazul acestui tablou este că a adăugat un titlu sub semnătura sa, „Le café de Nuit”.
Observați că Van Gogh și-a semnat picturile pur și simplu „Vincent”, nu „Vincent van Gogh” și nici „Van Gogh”.

Într-o scrisoare către fratele său Theo, scrisă la 24 martie 1888, el a spus:

„În viitor, numele meu ar trebui să fie pus în catalog pe măsură ce îl semnez pe pânză, și anume Vincent și nu Van Gogh, pentru simplul motiv că nu știu cum să pronunțe aici numele din urmă”.

„Aici” fiind Arles, în sudul Franței.
Dacă v-ați întrebat cum pronunțați Van Gogh, amintiți-vă că este un prenume olandez, nu francez sau englez. Deci „Gogh” este pronunțat, deci rimează cu „loch” scoțian. Nu este „goff” și nici „go”.

Noaptea înstelată - Vincent van Gogh

Acest tablou, care este probabil cel mai faimos tablou de Vincent van Gogh, se află în colecția de la Muzeul de Artă Modernă în New York.
Van Gogh a pictat Noaptea înstelată în iunie 1889, după ce am menționat steaua dimineții într-o scrisoare către fratele său Theo scrisă în jurul datei de 2 iunie 1889: „În această dimineață am Am văzut țara de la fereastra mea cu mult timp înainte de răsăritul soarelui, fără nimic altceva decât steaua dimineții, care arăta foarte mare. "Steaua dimineții (de fapt planeta Venus, nu o stea) este considerată, în general, ca fiind cea mare albă pictată chiar în stânga centrului picturii.
Scrisorile anterioare ale lui Van Gogh menționează, de asemenea, stelele și cerul nopții și dorința sa de a le picta:

1. „Când voi ajunge vreodată să fac cerul înstelat, acea imagine care este întotdeauna în mintea mea?” (Scrisoare către Emile Bernard, c. 18 iunie 1888)
2. „În ceea ce privește cerul înstelat, tot sper să-l pictez și poate o voi face într-una din aceste zile” (Scrisoare către Theo van Gogh, c. 26 septembrie 1888).
3. „În prezent îmi doresc absolut să pictez un cer înstelat. De multe ori mi se pare că noaptea este încă mai bogată în culoare decât ziua; având nuanțe dintre cele mai intense violete, albastru și verde. Dacă doar îi acordați atenție, veți vedea că anumite stele sunt galben-lămâie, altele roz sau o strălucire verde, albastră și nu uitați-mă... este evident că a pune mici puncte albe pe albastru-negru nu este suficient pentru a picta un cer înstelat. "(Scrisoare către Wilhelmina van Gogh, 16 septembrie 1888)

Restaurantul de la Sirene, la Asnieres - Vincent van Gogh

Această pictură de Vincent van Gogh se află în colecția Muzeului Ashmolean din Oxford, Marea Britanie. Van Gogh a pictat-o ​​la scurt timp după ce a ajuns la Paris în 1887 pentru a locui împreună cu fratele său Theo la Montmartre, unde Theo conducea o galerie de artă.
Pentru prima dată, Vincent a fost expus picturilor impresioniștilor (în special Monet) și a întâlnit artiști precum Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard și Pissarro. În comparație cu lucrările sale anterioare, care erau dominate de tonuri de pământ întunecate tipice pictorilor din nordul Europei precum Rembrandt, acest tablou arată influența acestor artiști asupra lui.
Culorile pe care le-a folosit s-au luminat și s-au luminat, iar periajul său a devenit mai slab și mai evident. Uitați-vă la aceste detalii din pictură și veți vedea cum a folosit mici lovituri de culoare pură, separate. El nu amestecă culori pe pânză, ci permite acest lucru să se întâmple în ochiul privitorului. Încearcă culoare ruptă abordarea impresionistilor.
În comparație cu picturile sale ulterioare, benzile de culoare sunt distanțate, cu un fundal neutru care arată între ele. El nu acoperă încă întreaga pânză cu culori saturate și nici nu exploatează posibilitățile de utilizare a pensulelor pentru a crea textură în vopsea.

Restaurantul de la Sirene, la Asnieres de Vincent van Gogh (Detaliu)

Aceste detalii din pictura lui Van Gogh, Restaurantul de la Sirene, de la Asnieres (în colecția Muzeului Ashmolean), arată cum a experimentat cu periile și marcajele sale după expunerea la picturile impresioniștilor și a altor parizieni contemporani artiști.

„Patru dansatori” - Edgar Degas

Edgar Degas, Patru dansatori, c. 1899. Ulei pe panza. Dimensiune 59 1/2 x 71 țoli (151,1 x 180,2 cm). În Galeria Națională de Artă, Washington.

„Portretul mamei artistului” - Whistler

Aceasta este probabil cea mai faimoasă pictură a lui Whistler. Titlul său complet este „Aranjament în gri și negru nr. 1, Portretul mamei artistului”. Mama lui a fost de acord să pozeze pentru pictură când modelul pe care îl folosise Whistler s-a îmbolnăvit. El a cerut-o inițial să pozeze în picioare, dar după cum puteți vedea, a cedat și a lăsat-o să se așeze.
Pe perete este o gravură de Whistler, „Black Lion Wharf”. Dacă te uiți foarte atent la cortina din stânga sus din cadrul gravurii, veți vedea o pată mai ușoară, acesta este simbolul fluture folosit de Whistler pentru a-și semna picturile. Simbolul nu a fost întotdeauna același, dar s-a schimbat, iar forma sa este folosită pentru datarea lucrărilor sale de artă. Se știe că începuse să-l folosească până în 1869.

„Speranța II” - Gustav Klimt

„Oricine vrea să știe ceva despre mine - ca artist, singurul lucru notabil - ar trebui să se uite cu atenție la pozele mele și să încerce să vadă în ele ce sunt și ce vreau să fac.” Klimt.

Gustav Klimt a pictat Speranța II pe pânză în 1907/8 folosind vopsele cu ulei, aur și platină. Are dimensiunea de 110,5 x 110,5 cm (43,5x43,5 "). Pictura face parte din colecția Muzeul de Artă Modernă în New York.
Speranța II este un frumos exemplu de Folosirea de către Klimt a frunzei de aur în tablouri și bogatul său stil ornamental. Uită-te la felul în care a pictat haina purtată de figura principală, cum este o formă abstractă decorată cu cercuri, dar încă o „citim” ca o mantie sau o rochie. Cum se amestecă în partea de jos în celelalte trei fețe.
În biografia sa ilustrată a lui Klimt, criticul de artă Frank Whitford a spus:

Klimt "a aplicat frunze reale de aur și argint pentru a spori și mai mult impresia că pictura este un obiect prețios, nu de la distanță o oglindă în care natura poate fi întrezărită, ci un artefact atent forjat. " ²

Este un simbolism care este încă considerat valabil în zilele noastre, având în vedere că aurul este încă considerat ca o marfă valoroasă.
Klimt a trăit la Viena, în Austria, și sa inspirat mai mult din Est decât din Occident, din „surse precum Arta bizantină, prelucrarea metalelor miceniene, covoare și miniaturi persane, mozaicurile bisericilor din Ravenna și japoneze ecrane. " ³
Sursă:
1. Artiști în context: Gustav Klimt de Frank Whitford (Collins & Brown, Londra, 1993), coperta din spate.
2. Ibidem. p82.
3. Repere MoMA (Muzeul de Artă Modernă, New York, 2004), p. 54

Semnătura lui Picasso

Aceasta este semnătura Picasso pe tabloul său din 1903 (din perioada sa albastră) intitulat „Băutorul de absint”.
Picasso a experimentat diferite versiuni scurtate ale numelui său ca semnătură a picturii sale, inclusiv inițiale încercuite, înainte de a seta pe „Pablo Picasso”. Astăzi, în general, îl auzim numit simplu „Picasso”.

Numele său complet a fost: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso¹.
​
<sub>Sursă:
1. „O sumă de distrugeri: Culturile lui Picasso și crearea cubismului”, de Natasha Staller. Yale University Press. Pagina p209.</sub>

„Băutorul de absint” - Picasso

Această pictură a fost creată de Picasso în 1903, în perioada sa albastră (o perioadă în care tonurile de albastru dominau picturile lui Picasso; când avea vreo douăzeci de ani). Prezintă artistul Angel Fernandez de Soto, care era mai entuziasmat de petrecere și băut decât pictura sa¹și care a împărțit un studio cu Picasso la Barcelona în două ocazii.
Pictura a fost scoasă la licitație în iunie 2010 de către Fundația Andrew Lloyd Webber după ce în SUA s-a ajuns la un acord extrajudiciar cu privire la proprietate, în urma unei afirmații a descendenților bancherului german-evreu Paul von Mendelssohn-Bartholdy că pictura fusese sub constrângere în anii 1930 în timpul regimului nazist din Germania.

<sub>Sursă:
1. Casa de licitații Christie's comunicat de presa, „Christie’s to Offer Picasso Masterpiece”, 17 martie 2010.</sub>

„Tragedia” - Picasso

Pablo Picasso, Tragedia, 1903. Ulei pe lemn. Dimensiune 41 7/16 x 27 3/16 țoli (105,3 x 69 cm). În Galeria Națională de Artă, Washington.

Este din perioada sa albastră, când picturile sale erau, așa cum sugerează și numele, toate dominate de blues.

Schiță de Picasso pentru faimosul său tablou „Guernica”

În timp ce planifica și lucra la enorma sa pictură Guernica, Picasso a făcut multe schițe și studii. Fotografia arată una dintre a lui compoziţie schițe, care în sine nu arată prea mult, o colecție de linii mâzgălite.

În loc să încercați să descifrați ce ar putea fi diferitele lucruri și unde se află în pictura finală, gândiți-vă la aceasta ca pe o stenografie Picasso. Simplu marcarea pentru imagini pe care le ținea în minte. Concentrați-vă pe modul în care folosește acest lucru pentru a decide unde să plaseze elemente în pictură, pe interacțiunea dintre aceste elemente.

„Guernica” - Picasso

Această faimoasă pictură de Picasso este enormă: 11 picioare 6 inci înălțime și 25 picioare 8 inci lățime (3,5 x 7,76 metri). Picasso a pictat-o ​​la comandă pentru Pavilionul spaniol la Târgul Mondial din Paris din 1937. Se află în Muzeul Reina Sofia din Madrid, Spania.

„Portretul domnului Minguell” - Picasso

Picasso a făcut această pictură de portret în 1901, când avea 20 de ani. Subiectul unui croitor catalan, domnul Minguell, despre care se crede că Picasso a fost prezentat de dealerul și prietenul său de artă Pedro Manach¹. Stilul arată pregătirea pe care Picasso a avut-o în pictura tradițională și cât de departe s-a dezvoltat stilul său de pictură în timpul carierei sale. Faptul că este pictat pe hârtie este un semn că s-a făcut într-un moment în care Picasso era rupt, nu câștigând încă suficienți bani din arta sa pentru a picta pe pânză.

Picasso i-a dat cadoul picturii lui Minguell, dar ulterior l-a cumpărat și l-a avut încă când a murit în 1973. Pictura a fost pusă pe pânză și probabil restaurată și sub îndrumarea lui Picasso „cu puțin timp înainte de 1969”², când a fost fotografiată pentru o carte de Christian Zervos despre Picasso.

Data viitoare te afli într-unul dintre acele argumente la cină despre cum pictează toți pictorii nerealiști abstract, cubist, fauvist, impresionist, alege-ți stilul pentru că nu pot face „tablouri adevărate”, întreabă persoana dacă l-a pus pe Picasso în această categorie (majoritatea o fac), apoi menționează acest tablou.

_{Sursă:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Detalii lot Impressionist and Modern Art Sale 22 iunie 2010. (Accesat la 3 iunie 2010.)}

„Dora Maar” sau „Tête De Femme” - Picasso

Când a fost vândut la licitație în iunie 2008, acest tablou de Picasso a fost vândut cu 7.881.250 GBP (15.509.512 USD). Estimarea licitației fusese de trei până la cinci milioane de lire sterline.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Această enormă pictură (aproape opt metri pătrați) realizată de Picasso este vestită drept una dintre cele mai importante piese de artă modernă create vreodată, dacă nu cel mai important, o pictură crucială în dezvoltarea artei moderne. Pictura înfățișează cinci femei - prostituate într-un bordel - dar există multe dezbateri cu privire la ce înseamnă totul și la toate referințele și influențele din el.
Criticul de artă Jonathan Jones¹ spune:

"Ceea ce l - a lovit pe Picasso în legătură cu măștile africane [evidente în fețele figurilor din dreapta] a fost cel mai evident lucru: că te deghizează, te transformă în altceva - un animal, un demon, un dumnezeu. Modernismul este o artă care poartă mască. Nu spune ce înseamnă; nu este o fereastră, ci un perete. Picasso și-a ales subiectul tocmai pentru că era un clișeu: voia să arate că originalitatea în artă nu se află în narațiune sau moralitate, ci în invenție formală. Acesta este motivul pentru care este greșit să vezi Les Demoiselles d'Avignon ca pe o pictură despre „bordeluri, prostituate sau colonialism”.

Sursă:
1. Pablo's Punks de Jonathan Jones, Gardianul, 9 ianuarie 2007.

„Femeie cu chitară” - Georges Braque

Georges Braque, Femeie cu chitară, 1913. Ulei și cărbune pe pânză. 51 1/4 x 28 3/4 țoli (130 x 73 cm). În Musee National d'Art Moderne, Centrul Georges Pompidou, Paris.

The Red Studio - Henri Matisse

Această pictură se află în colecția Muzeul de Artă Modernă (Moma) în New York. Arată interiorul studioului de pictură al lui Matisse, cu o perspectivă turtită sau un singur plan de imagine. Pereții studioului său nu erau de fapt roșii, erau albi; a folosit roșu în pictura sa pentru efect.
Sunt expuse în studioul său diverse opere de artă și bucăți de mobilier de studio. Contururile mobilierului din studioul său sunt linii în vopsea care dezvăluie culoarea dintr-un strat inferior, galben și albastru, care nu sunt vopsite deasupra roșu.

1. „Liniile înclinate sugerează adâncimea, iar lumina albastră-verde a ferestrei intensifică sensul spațiului interior, dar întinderea roșie aplatizează imaginea. Matisse intensifică acest efect, de exemplu, omițând linia verticală a colțului camerei. "
- MoMA Highlights, publicat de Moma, 2004, pagina 77.

2. „Toate elementele... își scufundă identitățile individuale în ceea ce a devenit o meditație prelungită asupra artei și vieții, spațiului, timpului, percepției și naturii realității în sine... o răscruce de drumuri pentru pictura occidentală, unde arta clasică orientată spre exterior, predominant reprezentativă a trecutului, a întâlnit etosul provizoriu, interiorizat și auto-referențial al viitorului... "
- Hilary Spurling,, pagina 81.

Dansul - Henri Matisse

Fotografia de sus arată pictura terminată a lui Matisse intitulată Dansul, finalizat în 1910 și acum în Muzeul Schitului de Stat din Sankt Petersburg, Rusia. Fotografia de jos prezintă studiul compozițional de dimensiuni complete pe care l-a făcut pentru pictură, acum MOMA în New York, SUA. Matisse a pictat-o ​​la comandă de la colecționarul de artă rus Serghei Șchukin.
Este un tablou imens, de aproape patru metri lățime și doi metri și jumătate înălțime (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2") și este pictat cu o paletă limitată la trei culori: roșu, verde și albastru. Cred că este o pictură care arată de ce Matisse are o astfel de reputație de colorist, mai ales atunci când comparați studiul cu pictura finală cu figurile sale strălucitoare.
În biografia ei despre Matisse (la pagina 30), Hilary Spurling spune:

"Cei care au văzut prima versiune a Dans a descris-o ca fiind palidă, delicată, chiar de vis, pictată în culori care erau sporite... în cea de-a doua versiune într-o friză feroce și plată de figuri roșii care vibrează împotriva benzilor de verde strălucitor și cer. Contemporanii au văzut pictura ca fiind păgână și dionisiacă ".

Rețineți perspectiva aplatizată, modul în care figurile au aceeași dimensiune decât cele care sunt mai departe de a fi mai mici, așa cum s-ar întâmpla în perspectivă sau scurtare pentru picturile reprezentative. Cum este curbată linia dintre albastru și verde din spatele figurilor, ecoul cercului de figuri.

„Suprafața a fost colorată până la saturație, până la punctul în care albastrul, ideea de albastru absolut, a fost prezent în mod concludent. Un verde strălucitor pentru pământ și un roșu vibrant pentru corpuri. Cu aceste trei culori am avut armonia mea de lumină și, de asemenea, puritatea tonului. "- Matisse

Sursă:
„Introducere în expoziția din rusă pentru profesori și studenți” de Greg Harris, Royal Academy of Arts, Londra, 2008.

Pictori celebri: Willem de Kooning

Pictorul Willem de Kooning s-a născut la Rotterdam, în Olanda, la 24 august 1904 și a murit la Long Island, New York, la 19 martie 1997. De Kooning a fost ucenic la firma de artă comercială și decorare la vârsta de 12 ani și a urmat cursuri de seară la Academia de Arte și Tehnici din Rotterdam timp de opt ani. A emigrat în SUA în 1926 și a început să picteze cu normă întreagă în 1936.

Stilul de pictură al lui De Kooning a fost expresionismul abstract. A avut prima expoziție solo la Charles Egan Gallery din New York în 1948, cu o lucrare în vopsea smaltată alb-negru. (A început să folosească vopsea smaltă, deoarece nu-și putea permite pigmenții artistului.) În anii 1950 a fost recunoscut ca fiind unul dintre liderii expresionismului abstract, deși unii puriști ai stilului au considerat picturile sale (cum ar fi a lui Femeie serie) incluse includ prea mult din forma umană.

Picturile sale conțin numeroase straturi, elemente suprapuse și ascunse pe măsură ce a refăcut și a refăcut o pictură. Modificările sunt permise să apară. A desenat pe pânzele sale pe cărbune pe larg, pentru compoziția inițială și în timp ce picta. Periajul său este gestual, expresiv, sălbatic, cu un sentiment de energie în spatele loviturilor. Ultimele tablouri aruncă o privire, dar nu au fost.

Producția artistică a lui De Kooning a durat aproape șapte decenii și a inclus picturi, sculpturi, desene și amprente. Ultimele sale picturi Sursa la sfârșitul anilor 1980. Cele mai faimoase picturi ale sale sunt Îngeri roz (c. 1945), Excavare (1950) și al treilea său Femeie serie (1950–53) realizată într-un stil mai pictural și o abordare improvizațională. În anii 1940 a lucrat simultan în stiluri abstracte și reprezentative. Descoperirea sa a venit odată cu compozițiile sale abstracte în alb și negru din 1948–49. La mijlocul anilor 1950 a pictat abstracțiile urbane, revenind la figurare în anii 1960, apoi la abstracțiile gestuale mari din anii 1970. În anii 1980, de Kooning s-a schimbat în lucrul pe suprafețe netede, vitrate cu culori strălucitoare și transparente peste fragmente de desene gestuale.

Gotic american - Grant Wood

gotic american este probabil cel mai faimos dintre toate picturile artistului american Grant Wood create vreodată. Acum se află la Institutul de Artă din Chicago.

Grant Wood a pictat „goticul american” în 1930. Înfățișează un bărbat și fiica sa (nu soția lui¹) stând în fața casei lor. Grant a văzut clădirea care a inspirat pictura din Eldon, Iowa. Stilul arhitectural este goticul american, de unde pictura își primește titlul. Modelele pentru pictură erau sora lui Wood și medicul dentist al acestora.². Pictura este semnată aproape de marginea de jos, pe salopeta bărbatului, cu numele artistului și anul (Grant Wood 1930).

Ce înseamnă pictura? Wood a intenționat să fie o redare demnă a caracterului americanilor din Midwestern, arătând etica lor puritană. Dar ar putea fi privit ca un comentariu (satiră) cu privire la intoleranța populațiilor rurale față de cei din afară. Simbolismul din pictură include munca grea (furculița) și domesticitatea (ghivece de flori și șorț cu imprimeu colonial). Dacă priviți cu atenție, veți vedea cele trei vârfuri ale furculiței răsunate în cusăturile de pe salopeta bărbatului, continuând dungile de pe cămașă.

^{Sursă:
gotic american, Art Institute of Chicago, regăsit 23 martie 2011.}

„Hristos al Sfântului Ioan al Crucii” - Salvador Dali

Această pictură de Salvador Dali se află în colecția Galeria și Muzeul de Artă Kelvingrove în Glasgow, Scoția. A fost prezentat pentru prima dată la galerie pe 23 iunie 1952. Tabloul a fost cumpărat cu 8.200 de lire sterline, ceea ce a fost considerat un preț ridicat, chiar dacă a inclus drepturile de autor care au permis galeriei să câștige taxe de reproducere (și să vândă nenumărate cărți poștale!).
Era neobișnuit ca Dali să vândă drepturile de autor unui tablou, dar avea nevoie de bani. (Drepturile de autor rămân la artist dacă nu este semnat, vezi Întrebări frecvente despre drepturile de autor ale artistului.)

„Aparent în dificultăți financiare, Dali a cerut inițial 12.000 de lire sterline, dar după niște negocieri dure... a vândut-o cu aproape o treime mai puțin și a semnat o scrisoare către orașul [Glasgow] în 1952 cedând drepturile de autor.

Titlul picturii este o referință la desenul care l-a inspirat pe Dali. Desenul cu stilou și cerneală a fost făcut după o viziune pe care a avut-o Sfântul Ioan al Crucii (un frate spaniol carmelit, 1542–1591) în care a văzut răstignirea lui Hristos ca și cum ar fi privit-o de sus. Compoziția este izbitoare pentru punctul său de vedere neobișnuit al răstignirii lui Hristos, iluminatul este dramatic aruncând puternic umbre, și o mare utilizare făcută din scurtarea în figură. Peisajul din partea de jos a tabloului este portul orașului natal al lui Dali, Port Lligat din Spania.
Pictura a fost controversată în multe feluri: suma care a fost plătită pentru aceasta; subiectul; stilul (care părea mai degrabă retro decât modern). Citiți mai multe despre pictură pe site-ul galeriei.

Sursă:
"Cazul suprarealist al imaginilor Dali și o luptă asupra licenței artistice"de Severin Carrell, Gardianul, 27 ianuarie 2009

Campbell's Soup Cans - Andy Warhol

Detaliu de la Andy Warhol Cutii pentru supă Campbell. Acril pe panza. 32 de tablouri fiecare 20x16 "(50,8x40,6cm). În colecția Muzeul de Artă Modernă (MoMA) în New York.
Warhol și-a expus prima oară seria de tablouri cu supe Campbell în 1962, cu fundul fiecărui tablou așezat pe un raft, așa cum ar face o cutie într-un supermarket. Există 32 de picturi în serie, numărul de soiuri de supă vândute la acea vreme de Campbell's.
Dacă ți-ai fi imaginat că Warhol își adună cămara cu doze de supă, atunci mănâncă o cutie așa cum terminase de pictat, nu pare. Potrivit site-ului web Moma, Warhol a folosit o listă de produse de la Campbell's pentru a atribui o aromă diferită fiecărei picturi.
Când a fost întrebat despre asta, Warhol a spus:

„Obișnuiam să-l beau. Obișnuiam să iau același prânz în fiecare zi, timp de douăzeci de ani, cred, același lucru din nou și din nou ".¹

Aparent, Warhol nu avea o comandă în care dorea picturile afișate. Moma afișează picturile „în rânduri care reflectă ordinea cronologică în care au fost introduse [supele], începând cu„ Tomate ”în stânga sus, care a debutat în 1897”.

Deci, dacă pictați o serie și doriți ca acestea să fie afișate într-o anumită ordine, asigurați-vă că notați acest lucru undeva. Marginea din spate a pânzelor este probabil cea mai bună, deoarece nu se va separa de pictură (deși se poate ascunde dacă picturile sunt încadrate).
Warhol este un artist care este adesea menționat de pictorii care doresc să realizeze lucrări derivate. Două lucruri merită menționate înainte de a face lucruri similare:

1. Pe Site-ul web al Moma, există o indicație a unei licențe de la Campbell's Soup Co (adică, un acord de licență între compania de supe și proprietatea artistului).
2. Aplicarea drepturilor de autor pare să fi fost mai puțin o problemă în vremea lui Warhol. Nu faceți presupuneri privind drepturile de autor pe baza lucrărilor lui Warhol. Faceți cercetările și decideți care este nivelul dvs. de îngrijorare cu privire la un posibil caz de încălcare a drepturilor de autor.

Campbell nu l-a comandat pe Warhol să facă picturile (deși ulterior au comandat unul pentru președintele consiliului de pensii în 1964) și a avut îngrijorări atunci când marca a apărut în picturile lui Warhol în 1962, adoptând o abordare de așteptare și vedere pentru a judeca care a fost răspunsul la tablouri. În 2004, 2006 și 2012 Campbell a vândut cutii cu etichete speciale comemorative Warhol.

<sub>Sursă:
1. Așa cum este citat mai sus Moma, accesat la 31 august 2012.</sub>

Copaci mai mari lângă Warter - David Hockney

Top: Artistul David Hockney stătea alături de o parte din pictura sa în ulei „Bigger Trees Near Warter”, pe care a donat-o Tate Britain în aprilie 2008.
Partea de jos: Pictura a fost expusă pentru prima dată la Expoziția de vară din 2007 la Royal Academy din Londra, ocupând tot peretele.
Pictura în ulei a lui David Hockney „Bigger Trees Near Warter” (numită și Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) descrie o scenă lângă Bridlington în Yorkshire. Pictura realizată din 50 de pânze dispuse una lângă alta. Adunate împreună, dimensiunea totală a tabloului este de 40x15 picioare (4,6x12 metri).
La momentul în care Hockney a pictat-o, era cea mai mare piesă pe care o completase vreodată, deși nu prima pe care o crease folosind mai multe pânze.

" Am făcut asta pentru că mi-am dat seama că o pot face fără o scară. Când pictați, trebuie să puteți face un pas înapoi. Ei bine, există artiști care au fost uciși făcând un pas înapoi de pe scări, nu-i așa?"
- Hockney citat într-un Reuter raport de știri, 7 aprilie 2008.

Hockney a folosit desene și un computer pentru a ajuta la compoziție și pictură. După ce o secțiune a fost finalizată, a fost făcută o fotografie pentru a putea vedea întreaga pictură pe computer.

„În primul rând, Hockney a schițat o grilă care arată cum s-ar potrivi scena peste 50 de panouri. Apoi a început să lucreze pe panouri individuale in situ. Pe măsură ce lucra la ele, acestea au fost fotografiate și transformate într-un mozaic pentru computer, astfel încât să-și poată planifica progresul, deoarece nu putea avea decât șase panouri pe perete în același timp. "

Sursă:
Charlotte Higgins, paznic corespondent de artă, Hockney donează o muncă uriașă lui Tate, 7 aprilie 2008.

Picturile de război ale lui Henry Moore

Expoziția Henry Moore la Tate Britain Gallery din Londra a avut loc în perioada 24 februarie - 8 august 2010.

Artistul britanic Henry Moore este cel mai faimos pentru sculpturile sale, dar cunoscut și pentru cerneală, ceară și picturi în acuarelă cu persoane adăpostite în stațiile de metrou din Londra în timpul celui de-al doilea război mondial. Moore a fost un artist oficial de război, iar în 2010 Expoziția Henry Moore la Tate Britain Gallery are o cameră dedicată acestora. Realizat între toamna anului 1940 și vara anului 1941, descrierile sale ale figurilor adormite se înghesuiau în tren tunelurile au captat un sentiment de angoasă care i-a transformat reputația și a influențat percepția populară a Blitz. Munca sa din anii 1950 reflecta consecințele războiului și perspectiva unui conflict ulterior.
Moore s-a născut în Yorkshire și a studiat la Școala de Artă Leeds în 1919, după ce a servit în Primul Război Mondial. În 1921 a câștigat o bursă la Royal College din Londra. Ulterior a predat la Colegiul Regal, precum și la Școala de Artă din Chelsea. Din 1940 Moore a locuit la Perry Green în Hertfordshire, acum acasă la Fundația Henry Moore. La Bienala de la Veneția din 1948, Moore a câștigat Premiul Internațional de Sculptură.

„Frank” - Chuck Close

„Frank” de Chuck Close, 1969. Acril pe panza. Dimensiune 108 x 84 x 3 țoli (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). În Institutul de Artă Minneapolis.

Autoportret Lucian Freud și Portret foto

Artistul Lucian Freud este renumit pentru privirea sa intensă, iertătoare, dar așa cum arată acest autoportret, el îl îndreaptă asupra lui, nu doar asupra modelelor sale.

1. „Cred că un portret grozav are legătură cu... sentimentul și individualitatea și intensitatea respectului și concentrarea asupra specificului. " ¹
2. „... trebuie să încerci să te pictezi ca pe o altă persoană. Cu autoportrete, „asemănarea” devine un lucru diferit. Trebuie să fac ceea ce simt fără să fiu expresionist ”. ²

<sup>Sursă:
1. Lucian Freud, citat în Freud at Work p32-3. 2. Lucian Freud citat în Lucian Freud de William Feaver (Editura Tate, Londra 2002), p43.</sup>

„Tatăl Mona Lisa” - Man Ray

„Tatăl Mona Lisa” de Man Ray, 1967. Reproducerea desenului montat pe plăci de fibră, cu trabuc adăugat. Dimensiune 18 x 13 5/8 x 2 5/8 țoli (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). În colecția Muzeul Hirshorn.
Mulți oameni îl asociază pe Man Ray doar cu fotografia, dar a fost și artist și pictor. A fost prieten cu artistul Marcel Duchamp și a lucrat în colaborare cu el.
În mai 1999, Știri de artă revista l-a inclus pe Man Ray în lista celor mai influenți 25 de artiști ai secolului al XX-lea, pentru fotografia sa și „explorări de film, pictură, sculptură, colaj, asamblare. Aceste prototipuri s-ar numi în cele din urmă artă de performanță și artă conceptuală. "

Art News a spus:

„Man Ray a oferit artiștilor din toate mass-media un exemplu de inteligență creativă care, în„ căutarea plăcerii și a libertății ”[îndrumarea declarată a lui Man Ray principii] a descuiat fiecare ușă la care a venit și a mers liber unde ar fi. "(Sursa Citatului: Art News, mai 1999," Willful Provocateur "de AD Coleman.)

Această piesă, „Tatăl Mona Lisa”, arată cum o idee relativ simplă poate fi eficientă. Partea dificilă vine cu ideea în primul rând; uneori vin ca un fulger de inspirație; uneori ca parte a brainstorming-ului de idei; uneori prin dezvoltarea și urmărirea unui concept sau gând.

Pictori celebri: Yves Klein

Retrospectiv: Expoziție Yves Klein la Muzeul Hirshhorn din Washington, SUA, în perioada 20 mai 2010 - 12 septembrie 2010.

Artistul Yves Klein este probabil cel mai renumit pentru lucrările sale de artă monocromatică cu albastru special (a se vedea „Pensula vie”, de exemplu). IKB sau International Klein Blue este un albastru ultramarin pe care l-a formulat.

Numindu-se „pictorul spațiului,„ Klein ”a căutat să realizeze spiritualitatea imaterială prin culoarea pură” și s-a preocupat de „noțiunile contemporane ale naturii conceptuale a artei”¹.

Klein a avut o carieră relativ scurtă, mai puțin de zece ani. Prima sa lucrare publică a fost o carte de artist Yves Peintures („Yves Paintings”), publicat în 1954. Prima sa expoziție publică a fost în 1955. A murit în urma unui infarct în 1962, la vârsta de 34 de ani. (Cronologia vieții lui Klein de la Arhivele Yves Klein.)

<sub>Sursă:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Muzeul Hirshhorn, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? cheie = 21 & subcheie = 252, accesat la 13 mai 2010.</sub>

„Pensula vie” - Yves Klein

Acest tablou al artistului francez Yves Klein (1928-1962) este una dintre seriile pe care le-a folosit „pensule vii”. El a acoperit modelele de femei nud cu vopseaua sa albastră (International Klein Blue, IKB) și apoi într-o piesă de artă de performanță în fața unui public „pictat” cu ei pe coli mari de hârtie prin direcționarea verbal.
Titlul "ANT154" este derivat dintr-un comentariu făcut de un critic de artă, Pierre Restany, care descrie tablouri produse ca „antropometrii din perioada albastră”. Klein a folosit acronimul ANT ca serie titlu.

Pictura neagră - Ad Reinhardt

„Este ceva în neregulă, iresponsabil și lipsit de minte în ceea ce privește culoarea; ceva imposibil de controlat. Controlul și raționalitatea fac parte din moralitatea mea. " - Ad Reinhard în 1960 ¹

Această pictură monocromă a artistului american Ad Reinhardt (1913-1967) se află în Muzeul de Artă Modernă (Moma) din New York. Are 152,4x152,4cm (60x60 "), ulei pe pânză și a fost pictat în anii 1960-61. În ultimul deceniu și puțin din viața sa (a murit în 1967), Reinhardt a folosit doar negru în picturile sale.
Amy Sia, care a făcut fotografia, spune că ușierul arată cum pictura este împărțită în nouă pătrate, fiecare cu o nuanță diferită de negru.
Nu vă faceți griji dacă nu o puteți vedea în fotografie. Este greu de văzut chiar și atunci când ești în fața tabloului. In ea eseu despre Reinhardt pentru Guggenheim, Nancy Spector descrie pânzele lui Reinhardt ca „pătrate negre stinse care conțin forme cruciforme abia sesizabile [care] contestă limitele vizibilității” ².
<sup>Sursă:
1. Culoarea în art de John Gage, p205
2. Reinhardt de Nancy Spector, Muzeul Guggenheim (Accesat la 5 august 2013)</sup>

Pictura la Londra a lui John Virtue

Artistul britanic John Virtue a pictat peisaje abstracte cu doar alb-negru din 1978. Pe un DVD produs de London National Gallery, Virtue spune că lucrul în alb și negru îl obligă „să fie inventiv... să reinventeze”. Culoarea evitând „se adâncește simțul meu de ce culoare există... Sensul de fapt a ceea ce văd... este cel mai bun și mai precis și mai transmis prin faptul că nu am o paletă de ulei a picta. Culoarea ar fi un cul de sac. "
Aceasta este una dintre picturile londoneze ale lui John Virtue, realizate în timp ce era artist asociat la National Gallery (din 2003 până în 2005). Site-ul National Gallery descrie picturile Virtute ca având „afinități cu pictura orientală cu pensula și expresionismul abstract american” și care se leagă îndeaproape de „marele englez pictori de peisaje, Turner și Constable, pe care Virtue îi admiră enorm ", precum și influențați de" peisajele olandeze și flamande din Ruisdael, Koninck și Rubens ".
Virtutea nu dă titluri picturilor sale, ci doar cifre. Într - un interviu din numărul din aprilie 2005 al Artist și ilustratori revistă, Virtue spune că a început să-și numere lucrările cronologic în 1978, când a început să lucreze în monocrom:

„Nu există ierarhie. Nu contează dacă are 28 de picioare sau trei inci. Este un jurnal non-verbal al existenței mele ".

Picturile sale sunt numite doar „Peisajul nr. 45” sau „Peisajul nr. 630” și așa mai departe.

Coșul de artă - Michael Landy

Expoziția Art Bin a artistului Michael Landy a avut loc la South London Gallery în perioada 29 ianuarie - 14 martie 2010. Conceptul este enorm (600m³) coș de gunoi încorporat în spațiul galeriei, în care arta este aruncată, „un monument al eșecului creativ”¹.
Dar nu orice artă veche; trebuia să aplicați pentru a vă arunca arta în coș, fie online, fie la galerie, iar Michael Landy sau unul dintre reprezentanții săi decide dacă ar putea fi inclusă sau nu. Dacă a fost acceptat, a fost aruncat în coșul de gunoi dintr-un turn de la un capăt.

Când eram la expoziție, au fost aruncate mai multe piese și persoana care făcea aruncarea a avut multă practică din felul în care a reușit să facă un tablou să alunece chiar de cealaltă parte a container.
Interpretarea artei se îndreaptă pe calea când / de ce arta este considerată bună (sau gunoi), subiectivitatea în valoarea atribuită artei, actul colecționării de artă, puterea colecționarilor de artă și a galeriilor de a crea sau a sparge cele ale artistului cariere.

Era cu siguranță interesant să mergi de-a lungul părților laterale uitându-te la ceea ce a fost aruncat, la ceea ce s-a rupt (o mulțime de bucăți de polistiren) și la ce nu (majoritatea picturilor pe pânză erau întregi). Undeva în partea de jos, era un imprimeu mare de craniu decorat cu sticlă de Damien Hirst și o piesă de Tracey Emin. În cele din urmă, ceea ce ar putea fi ar fi reciclat (de exemplu, brancarde de hârtie și pânză), iar restul destinat să fie depozitat. Îngropat ca gunoi, este puțin probabil să fie dezgropat de câteva secole de acum de un arheolog.

_{Sursă:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), site-ul South London Gallery, accesat la 13 martie 2010.}

Barack Obama - Shepard Fairey

Acest tablou al politicianului american Barack Obama, colaj cu șabloane mixte, a fost creat de un artist de stradă din Los Angeles, Shepard Fairey. A fost imaginea centrală a portretului utilizată în campania electorală prezidențială din 2008 a lui Obama și distribuită sub formă de ediție limitată și descărcare gratuită. Acum se află în National Portrait Gallery din Washington DC.

1. „Pentru a-și crea posterul lui Obama (lucru pe care l-a făcut în mai puțin de o săptămână), Fairey a luat o fotografie de știri a candidatului de pe Internet. A căutat un Obama care părea prezidențial... Apoi, artistul a simplificat liniile și geometria, folosind o paletă patriotică roșie, albă și albastră (cu care joacă făcând albul un bej și albastrul o nuanță pastel)... cuvinte cu caractere aldine ...
2. "Afișele sale cu Obama (și o mulțime de lucrări sale comerciale și de artă plastică) sunt refaceri ale tehnicilor propagandiști revoluționari - culorile strălucitoare, literele îndrăznețe, simplitatea geometrică, ipostazele eroice. "

Sursă: ​
„Aprobarea pe perete a lui Obama” de William Booth, Washington Post 18 mai 2008.

„Requiem, trandafiri albi și fluturi” - Damien Hirst

Artistul britanic Damien Hirst este cel mai faimos pentru animalele sale conservate în formaldehidă, dar la începutul anilor 40 a revenit la pictura în ulei. În octombrie 2009 a expus picturi create între 2006 și 2008 pentru prima dată la Londra. Acesta este un exemplu de pictură, care nu este încă faimos, realizat de un artist celebru expoziţie la Colecția Wallace din Londra intitulată „No Love Lost”. (Date: 12 octombrie 2009 - 24 ianuarie 2010.)
stirile BBC a citat Hirst spunând.

„Acum pictează exclusiv cu mâna”, că timp de doi ani „picturile sale„ au fost jenante și nu am vrut oricine să intre "și că" a trebuit să învețe din nou să picteze pentru prima dată de când era o artă adolescentă student."¹

Comunicatul de presă care însoțește expoziția Wallace spunea:

„„ Picturile albastre ”mărturisesc o nouă direcție îndrăzneață în opera sa; o serie de picturi care, în cuvintele artistului, sunt „profund conectate cu trecutul”. "

A pune vopsea pe pânză este cu siguranță o nouă direcție pentru Hirst și, unde merge Hirst, studenții de artă vor urma probabil. Pictura în ulei ar putea redeveni la modă.
Ghidul About.com pentru călătoria în Londra, Laura Porter, a mers la avanpremierul de presă al expoziției lui Hirst și a primit un răspuns la singura întrebare pe care am vrut să o știu: ce pigmenți albastri folosea?

Laura i s-a spus că este „albastru de Prusia pentru toți, cu excepția uneia dintre cele 25 de picturi, care este neagră. "Nu e de mirare că este un albastru atât de întunecat, mocnit!
Criticul de artă Adrian Searle de Gardianul nu a fost foarte favorabil cu privire la picturile lui Hirst:

„În cel mai rău moment, desenul lui Hirst pare doar amator și adolescent. Periajului său îi lipsește acea oomph și panache care te face să crezi în minciunile pictorului. El încă nu-l poate duce. "²

<sub>Sursă:
1 Hirst „Renunță la animale murate”, BBC News, 1 octombrie 2009
2. "Picturile lui Damien Hirst sunt mortale, "Adrian Searle, paznic, 14 octombrie 2009.</sub>

Artiști celebri: Antony Gormley

Antony Gormley este un artist britanic, probabil cel mai faimos pentru sculptura sa Îngerul nordului, dezvăluită în 1998. Se află în Tyneside, nord-estul Angliei, pe un sit care a fost cândva o carabină, care vă întâmpina cu aripile sale de 54 de metri lățime.
În iulie 2009, opera de artă a instalării lui Gormley pe al patrulea soclu de pe Trafalgar Square din Londra a văzut un voluntar stând o oră pe soclul său, 24 de ore pe zi, timp de 100 de zile. Spre deosebire de celelalte socluri din Trafalgar Square, al patrulea soclu aflat chiar în afara Galeriei Naționale, nu are o statuie permanentă pe ea. Unii dintre participanți au fost ei înșiși artiști și și-au schițat punctul de vedere neobișnuit (foto).
Antony Gormley s-a născut în 1950, la Londra. A studiat în diferite colegii din Marea Britanie și budism în India și Sri Lanka, înainte de a se concentra pe sculptură la Școala de Artă Slade din Londra între 1977 și 1979. Prima sa expoziție solo a fost la galeria de artă Whitechapel în 1981. În 1994 Gormley a câștigat Premiul Turner cu „Field for the British Isles”.
Biografia sa pe a sa site-ul web spune:

... Antony Gormley a revitalizat imaginea umană în sculptură printr-o investigație radicală a corpului ca loc de memorie și transformare, folosindu-și propriul corp ca subiect, instrument și material. Din 1990 și-a extins preocuparea cu condiția umană pentru a explora corpul colectiv și relația dintre sine și celălalt în instalații de mari dimensiuni ...

Gormley nu creează tipul de figură pe care îl face pentru că nu poate face statui în stil tradițional. Mai degrabă, el se bucură de diferență și de abilitatea pe care ne-o oferă să le interpretăm. Într-un interviu cu Timpurile¹, el a spus:

„Statuile tradiționale nu sunt despre potențial, ci despre ceva care este deja complet. Au o autoritate morală mai degrabă opresivă decât colaborativă. Lucrările mele recunosc golul lor ".

^{Sursă:
Antony Gormley, Omul care a spart matrița de John-Paul Flintoff, The Times, 2 martie 2008.}

Pictori britanici contemporani celebri

De la stânga la dreapta, artiștii Bob și Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakeși Alison Watt.
Ocazia a fost o vizionare a picturii Diana și Actaeon de Titian (nevăzut, în stânga) la National Gallery din Londra, cu scopul de a strânge fonduri pentru a cumpăra pictura pentru galerie.

Artiști celebri: Lee Krasner și Jackson Pollock

Dintre acești doi pictori, Jackson Pollock este mai faimos decât Lee Krasner, dar fără sprijinul ei și promovarea operei sale de artă, este posibil să nu aibă locul în cronologia pe care o are. Ambele pictate într-un stil expresionist abstract. Krasner s-a străduit să fie apreciată de critici în sine, mai degrabă decât să fie considerată doar soția lui Pollock. Krasner a lăsat o moștenire pentru a stabili Fundația Pollock-Krasner, care acordă granturi artiștilor vizuali.

Șevalet de scară al lui Louis Aston Knight

Louis Aston Knight (1873-1948) a fost un artist american născut la Paris, cunoscut pentru picturile sale de peisaj. S-a format inițial sub tatăl său artist, Daniel Ridgway Knight. A expus la Salonul Francez pentru prima dată în 1894 și a continuat să facă acest lucru de-a lungul vieții sale, câștigând, de asemenea, aprecieri în America. Pictura sa The Afterglow a fost cumpărat în 1922 de către președintele SUA Warren Harding pentru Casa Albă.
Această fotografie din Arhivele artei americaneDin nefericire, nu ne oferă o locație, dar trebuie să vă gândiți că orice artist dorește să pătrundă apa cu scara de șevalet și vopsele era fie foarte dedicată observării naturii, fie destul de spectacol.

1897: O clasă de artă pentru femei

Această fotografie din 1897 din Arhivele artei americane arată o clasă de artă pentru femei cu instructorul William Merritt Chase. În acea epocă, bărbații și femeile participau la cursuri de artă separat, unde, din cauza vremurilor, femeile aveau norocul să poată obține o educație artistică.

Școala de vară de artă c.1900

Studenții de artă de la cursurile de vară ale Școlii St Paul de Arte Frumoase, Mendota, Minnesota, au fost fotografiați în c.1900 cu profesorul Burt Harwood.
Deoparte de modă, pălăriile mari sunt foarte practice pentru pictând în aer liber deoarece vă ține soarele afară din ochi și vă împiedică arsura feței (la fel ca și un top cu mâneci lungi).

„Nava lui Nelson într-o sticlă” - Yinka Shonibar

Uneori este o scară de artă care îi conferă un impact dramatic, mult mai mult decât subiectul. „Nava lui Nelson într-o sticlă” de Yinka Shonibar este o astfel de piesă.

„Nava lui Nelson într-o sticlă” de Yinka Shonibar este o navă de 2,35 metri înălțime în interiorul unei sticle chiar mai înalte. Este o replică la scara 1:29 a navei-pilot a vice-amiralului Nelson, HMS Victorie.
„Nava lui Nelson într-o sticlă” a apărut pe al patrulea soclu din Trafalgar Square din Londra pe 24 mai 2010. Cel de-al patrulea soclu a rămas gol din 1841 până în 1999, când prima dintr-o serie în curs de lucrări de artă contemporană, comandată special pentru soclu de către Al patrulea grup de punere în funcțiune.
Opera de artă dinaintea „navei lui Nelson într-o sticlă” a fost One & Other de Antony Gormley, în care o persoană diferită a stat pe soclu timp de o oră, non-stop, timp de 100 de zile.
Din 2005 până în 2007 ați putut vedea o sculptură de Marc Quinn, Alison Lapper însărcinată, iar din noiembrie 2007 a fost Model pentru un hotel 2007 de Thomas Schutte.
Desenele batik de pe pânzele „Nava lui Nelson într-o sticlă” au fost tipărite manual de artist pe pânză, inspirate din pânză din Africa și din istoria acesteia. Sticla are 5x2,8 metri, fabricată din perspex și nu din sticlă, iar sticla se deschide suficient de mare pentru a se urca în interior pentru a construi nava.